La millonésima destrucción de la Casa Blanca en “Asalto al poder”

Es curioso que, al contrario que en otros países, la promoción de la película “Asalto al poder” en España se haya realizado mostrando imágenes de explosiones, humo y accidentes, en lugar de utilizar la imagen de los actores Channing Tatum y Jamie Foxx. Quizá sea porque en la actores actuales no suponen suficiente reclamo para una película de tiros como en los 90 podían ser Bruce Willis, Schwarzenegger o Stallone, al menos en este país, y eso que uno ha sido considerado el hombre más sexy del año y el otro tiene un Óscar en su curriculum. O más sencillamente quizá sea por el hecho de que interesa más que cuando veas el cartel por la calle te recuerde instantáneamente la explosión de la cúpula de la Casa Blanca de “Independence Day” y lo que se haya aprovechado sea sencillamente para el reclamo sea su director, el alemán Roland Emmerich, que suele ser recordado por sus films apocalípticos de destrucción de la Tierra (“2012”, “El día de mañana”, “Independence Day”), pero que ya en los 90 había triunfado con películas de acción como “Soldado universal”, incluso en anteriormente había realizado la ochentera “El secreto de los fantasmas”, que aún recuerdo de mi tierna infancia.

Cartel español de "Asalto al poder" junto con su versión americana

Cartel español de “Asalto al poder” junto con su versión americana

Y esta larga introducción para presentar la millonésima invasión y destrucción de la Casa Blanca, que en este caso no viene de parte de extraterrestres, sino de… (mira tú la originalidad) ¡terroristas terrestres! De hecho también este año la Casa Blanca había sido ya invadida por otros terroristas que también se dedicaron a destruirla. Empiezo a pensar que en Estados Unidos no ganan para reconstruir el emblemático edificio.

Channing Tatum y Jamie Foxx presentaron "Asalto al poder" en Madrid

Channing Tatum y Jamie Foxx presentaron “Asalto al poder” en Madrid

La historia no tiene nada de novedoso tampoco, oscilante entre el drama familiar y el político, con personajes un tanto disparatados, como una niña obsesionada con saberse todo sobre la historia de su país y las entrañas del símbolo de Washington, o un guía turístico metido a héroe. Todo esta coctelera para cocinar un panfleto pro-Obama donde su alter-ego Jamie Foxx parece ser lo más salvable del film, con varios puntos divertidos y con la tesitura de representar a un Obama que no solo es un héroe en sus actitudes políticas, sino que también lo es cuando tiene que defenderse de los malos en un cara-a-cara, sin necesidad de apretar un botón y lanzar unos misiles. Channing Tatum no está mal tampoco, pero tiene un papel soso, excesivamente estereotipado, aunque hay que reconocer que en las escenas de acción, que él asegura haber rodado casi todas, puede verse que da la talla.

El otro aspecto que también se debe destacar, si queremos ser justos con el film, son las escenas de acción, que hacen honor al enorme presupuesto que debe tener el film. Un coche blindado dando vueltas en el jardín, aviones explotando, carreras por la azotea y tiroteos en el despacho oval, pueden ser suficiente motivo para atraer al espectador que no quiera complicarse mucho la existencia, pasando un rato divertido, pero no esperen una crítica al gobierno americano ni una denuncia de la corrupción, sino más bien otro blockbuster más donde la Casa Blanca es destruida.

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Presentación en Madrid de la película de animación “Justin y la espada del valor” producida por Antonio Banderas

Nos hemos acercado hoy hasta el castillo de Villaviciosa de Odón para enterarnos de los pormenores de la última cinta de animación creada íntegramente en España, titulada “Justin y la espada del valor”, de la productora Kandor Graphics, y dirigida por Manuel Sicilia, quien ya fuera responsable de otros títulos como “El lince perdido” y el corto nominado al Oscar “La Dama y la muerte”, y que cuenta con la producción del mismísimo Antonio Banderas.

Justin y la espada del valor

Justin y la espada del valor

Aprovechando el éxito de “Las aventuras de Tadeo Jones” y apoyado por una reciente nominación al Oscar, parece que la animación española está recibiendo un fuerte tirón, que ha ayudado a llevar a las pantallas de todo el mundo la película de Manuel Silvano. Si además contamos con el apoyo de nuestro actor más internacional, el triunfo está asegurado, ya que va reafirmado por una sobrada calidad, tanto en los gráficos y la imagen, como en un cuidado guión y unos personajes entrañables.

Presentaban así el film, dos de sus voces principales: Antonio Banderas e Inma Cuesta, que interpretan respectivamente los personajes de Sir Antoine y la joven heroína Talía, así como su director, como la cantante Angy, que canta el tema principal de la película “Héroes”.

Antonio Banderas (Sir Antoine), Inma Cuesta (Talía) y Angy

Antonio Banderas (Sir Antoine), Inma Cuesta (Talía) y Angy

Todos ellos muy amables y derrochando simpatía posaron para los medios y respondieron a las preguntas de los periodistas, comentando el sufrimiento para conseguir la financiación del film  y la dificultad para competir con el imperio de Hollywood. Aun así se muestran con optimismo, después de venir de Londres donde la película tuvo buena acogida, especialmente entre los más pequeños.

Angy, Manuel Silvano, Inma Cuesta y Antonio Banderas

Angy, Manuel Silvano, Inma Cuesta y Antonio Banderas

Inma Cuesta reconoció haber tenido que cambiar de registro y poner una voz más infantil al personaje de Talía, mientras que Angy protestaba por no haber recibido ningún papel en la película, a ver si la próxima vez tiene más suerte. Antonio Banderas, sin embargo, recuerda sus momentos de doblaje con Dreamworks haciendo de Gato con Botas, y confiesa que no le importaría dirigir una película de animación, pero que no se ve preparado al tiempo y esfuerzo que ello requiere, además recuerda que la película está dirigida a los niños y que han huido de momentos “pop” en la película que ellos no entienden.

El director Manuel Silvano nos comenta sus referencias y los guiños a multitud de películas, que irán desde las de animación de Píxar, como “Up”, hasta otras más dramáticas como “Billy Elliot” que ha ayudado en la definición del protagonista Justin. Dudamos si el nombre de Justin será por Justin Bieber o Justin Timberlake, o si en realidad sería más cercano a un Justino, el asesino de la tercera edad, pero lo cierto es que el film ha sido vendido a multitud de países, de manera que les deseamos gran éxito internacional, y que se fije la gente en la animación de este país, que es de gran calidad, y que sí debería formar parte del concepto de “Marca España”.

Estreno: 20 de septiembre de 2013.

Castillo de Villaviciosa de Odón (Madrid)

,Castillo de Villaviciosa de Odón (Madrid)

Estrenos del 6 de septiembre: destacamos un drama “Cruce de caminos”, una de terror “You’re next”, una rusa “Traición” y otra sobre la mujer oriental “La piedra de la paciencia”

Entre los estrenos de la semana, aparte de una secuela de “Riddick”, destacamos: “Cruce de caminos” de Derek Cianfrance, un drama social que deriva de un extraño triángulo; “Tú eres el siguiente (You’re next)” de Adam Wingard, terror y acción en estado puro; “Izmena” traducida en España como “Traición” del ruso Kirill Serebrennikov, analizando las obsesiones humanas; y por último “La piedra de la paciencia” proveniente de Afganistán, basada en la novela de Atiq Rahimi, acerca del papel de la mujer en los países orientales.

Estrenos del 6 de septiembre de 2013

Estrenos del 6 de septiembre de 2013

Original presentación de “Asalto al poder” en Madrid con la presencia de Channing Tatum y Jamie Foxx

Esta mañana hemos tenido el lujo de contar en Madrid con la presencia de Channing Tatum, Jamie Foxx, protagonistas de “Asalto al poder”, y con su director Roland Emmerich. Muy amables con la prensa han posado para nosotros y han respondido a algunas preguntas sobre la película, muy metidas en sus papeles, como si se tratara de una auténtica rueda de prensa del gobierno de los Estados Unidos.

Channing Tatum y Jamie Foxx en Madrid presentando "Asalto al poder"

Channing Tatum y Jamie Foxx en Madrid presentando “Asalto al poder”

Con Jamie Foxx como presidente de los estados unidos y la madrileña “Casa de las Alhajas” convertida por la gente de Sony en úna pequeña réplica de la Casa Blanca (con despacho oval incluído), Roland Emmerich nos presenta hoy este film donde vuelve a poner patas arriba la ciudad de Washington y la casa presidencial americana, la cual vuelve a destruir como ya hicieran años atrás en “Independence Day”.

Jamie Foxx es el presidente de los EE.UU.

Jamie Foxx es el presidente de los EE.UU.

Los animales contra una heroína del hogar en “You’re Next”

Dos años de espera tras su presentación en el festival de Toronto han sido necesarios para que “Tú eres el siguiente” encuentre su hueco en las salas de todo el mundo, pero la espera ha merecido la pena. Su director, Adam Wingard, que ya había hecho algunos trabajos en el mundo del terror, más concretamente con un found-footage incluido en “V/H/S” (del que habrá una secuela), nos ofrece una caza del gato y el ratón, donde el espectador se sentirá víctima de unos seres enmascarados que no lo dejarán escapar tan fácilmente.

Sharni Vinson en "You're Next"

Sharni Vinson en “You’re Next”

“You’re the next” incorpora algunas novedades en el género de terror y asesinatos múltiples que le dan un punto de originalidad y diferencia: entre los seleccionados se encuentra un auténtico superviviente, una persona con el entrenamiento, la formación y la sagacidad para salir adelante en una situación tan cotidiana (según nos intenta convencer producto tras producto el cine estadounidense) como la de una matanza perpetrada aparentemente por psicópatas con máscaras de cordero. Y ese superviviente es una mujer, algo poco común en el género. La pericia y buen hacer de la actriz a cargo de semejante papel consigue dar verosimilitud a un personaje que no para de sorprendernos a lo largo del metraje. Su revelación como máquina de defensa personal y ajena, sin apenas uso de la fuerza, es un giro en una historia que hasta ese momento se adivinaba como otra enésima película más de miedo y asesinatos en cadena.  La actriz demuestra tener incontables registros interpretativos que llegan a su cima en el momento del diálogo con su amante reaparecido en combate de manera inexplicable. El laconismo y credibilidad de la protagonista llevan la película a un momento imprevisible en el que el espectador transita por sutiles derroteros entre el drama y la comedia, ya atisbada en otros momentos de la película. Nuestra protagonista de hecho provoca algún otro giro en la trama al situar a los asesinos en un plano de debilidad y fragilidad, como víctimas de una inesperada defensa femenina. Ese momento de dudas y ausencia de máscaras de cordero hace de nuevo este producto cultural salvable en su género.

Otro aspecto reseñable es la casi absoluta ausencia de armas de fuego. Algo (de nuevo a juzgar por lo que conocemos de la cultura y sociedad americanas) poco creíble y sólo achacable a las peculiares filias de los psicópatas de turno; sin embargo, es muy destacable que la desestructurada familia víctima del ataque no tenga ni una pistola que echarse a la boca o las manos y la protagonista tenga que lidiar con sus buenas labores de bricolaje, cocina y electricidad para defenderse. Insistimos: no importa lo poco creíble de este hecho a juzgar por las películas y noticias de EEUU. La elección artística por la ausencia de armas de fuego hace a esta película de nuevo diferente en su género.

Dentro de un género comercial, que a nadie engaña en su propuesta, esta película saca un poco los pies del tiesto y aporta alguna novedad. Merece la pena ver a esta Wonderwoman del hogar.

Misterios filológicos escritos a “Pie de página”

La película israelí “Pie de página”, ganadora en Cannes del premio al mejor guión, llega desgraciadamente con dos años de retraso a nuestras pantallas. Por lo tanto, todo lo que escribimos a continuación tiene una validez escasa en el contexto internacional del cine. Esta situación parece no cambiar e irse agravadando cada vez más, lo que ha hecho de nuestra cartelera un pálido reflejo de la de otros países. Dicho esto, pasamos a comentar la película.

Schlomo Bar-aba realizando estudios filológicos

Shlomo Bar-aba realizando estudios filológicos

La labor de estudio de la lengua, de su pasado histórico y de sus tradiciones literarias y antropológicas, no ha tenido mucho interés para el cine. En ese sentido, la película que aquí analizamos, tiene un valor añadido al acercar al gran público la desconocida labor filológica. Realmente, la crítica de cine tiene sus bases sólidas en la filología, junto con otras tareas presentes en el mundo actual. Llevar a cabo una película atractiva sobre un mundo casi secreto, hermético y poco difundido como es el de la investigación filológica universitaria, con unos protagonistas presas de un comportamiento muchas veces antipático, es un reto que consigue esta propuesta israelí. El padre e hijo que llevan las riendas de esta historia se dedican a la compleja investigación talmúdica, es decir, a los libros, notas y glosas que a lo largo de la historia han analizado la Tora judía, nuestro Antiguo Testamento, con la minuciosidad científica de miles de años de historia, llenando de notas al pie cada versículo de la Biblia, de ahí las múltiples referencias que contiene el título de esta película. La labor estudiosa de los dos protagonistas es completamente distinta: el padre sigue las riendas de un trabajo textual, ecdótico, paleográfico, que se circunscribe al estudio de las pruebas objetivas. El hijo sigue más los trabajos interpretativos del texto. El padre se encuentra inmerso en el ostracismo académico y personal a causa de diversos motivos que se abordan en la película. El hijo tiene un ascenso y reconocimiento en alza. El propio Talmud es, en el fondo, un corpus filológico en el que ambas tendencias filológicas están presentes. El Talmud es el origen de parte de la filología y también, de la crítica por lo tanto. La película, desde una perspectiva contemporánea y distendida, aborda un tema capital para el judaísmo y a su vez para la tradición occidental. Asimismo, también nos presenta las complejas relaciones políticas en el mundo académico, aún más difíciles si además se cruzan los celos entre padres e hijos.

A nivel cinematográfico tampoco defrauda. Destaca en este trabajo el laconismo de un elenco actoral magnífico en el que no solo brillan con luz propia el dúo protagonista, sino también otros secundarios de lujo. Muchas veces, la ausencia de palabras en el metraje se llena con miradas que todo lo explican. Los actores aguantan con soltura unos durísimos y prolongados primeros planos en los que cada mínimo rincón facial aporta un detalle.

El propio lenguaje cinematográfico se mezcla con los recursos de la investigación filológica: tienen gran importancia los montajes de escenas que se sobreponen como diapositivas en un lector de microfilm diseñado para la observación de manuscritos. Estos montajes sirven como síntesis y pie de página para acontecimientos pasados u ocultos en el códice de la historia y que sólo una paciente mirada filológica puede desentrañar.

En ese sentido, la propia trama pega un vuelco final y se ve inmersa de pleno en las pesquisas del estudio de documentos. De repente, el presente se vuelve casi un palimpsesto que puede poseer varias capas ocultas que sólo podrán ser adivinadas por un experto filólogo. Sin ser una película de misterio ni intriga, la resolución final es todo un homenaje a la filología como disciplina valiosa y necesaria.

El guión, tal cual se constató en Cannes, merece una especial mención. Los diálogos se reducen a la palabra justa, sin excesos. El lenguaje de los personajes posee también cientos de referencias tradicionales judías gracias al uso de la parábola, la metáfora expresiva y los episodios oníricos. De hecho, la compleja escena final resume en sí misma todos los logros artísticos de esta obra: el sueño que contamina la realidad, la casi ausencia de palabras, la narración mediante imágenes y el final sorprendentemente abierto.

La película demuestra que cualquier aspecto humano es merecedor de un espacio en el cine. No hay mundos poco cinematográficos, sino cines que no saben o quieren reflejarlos.

Una obra muy destacable esta película: docente, didáctica y filológica.

Héroes disfrazados por doquier en la secuela “Kick Ass 2”

Miles de fans ataviados con los más diversos vestidos de superhéroes se agolpaban ayer en Kinépolis preparados para la fiesta que habían preparado nuestros amigos de Sensacine para la presentación en Madrid de la película “Kick Ass 2”, secuela de las aventuras del superhéroe de dicho nombre y su compañera Hit Girl. No faltó el buen rollo y las risas, dejando claro que el movimiento friki sigue presente y se va expandiendo, marcando tendencia, y demostrando que ya no es un movimiento minoritario, sino una forma de desinhibirse y olvidarse un poquito de los problema.

Chloë Grace Moretz  es nuevamente Hit Girl en "Kick Ass 2"

Chloë Grace Moretz es nuevamente Hit Girl en “Kick Ass 2”

En cuanto al film, sigue la estela que comenzó con su predecesora dando un ritmo con gags a ratos divertidos que, si no fueran porque en ocasiones los chistes escatológicos se hacen innecesarios y rozan el mal gusto y la hacen un pelín infantil, por lo demás hace que pasemos un buen rato. Un intento por recuperar el humor propio de “Bienvenidos a Zombieland”, con un poco de la reivindicación de que cualquiera puede ser un héroe de “V de Vendetta” y mezclado con las luchas de abejas-reina del instituto, que nos recordó enteramente al personaje de Lindsay Lohan en “Chicas Malas”, pero con peores consecuencias.

Sin duda la mejor parte del film se la lleva Chloë Grace Moretz que destaca no solo por su belleza, sino por la dulzura que transmite su personaje, como ya habíamos visto anteriormente en sus papeles en “Sombras tenebrosas” de Tim Burton, o la versión americana de “Déjame entrar”, demostrando que superar la adolescencia puede ser un trance mucho más complejo que luchar contra criminales, incluido el hecho de no poder evitar sentir atracción por todas esas boybands, fruto del marketing, al igual que nosotros meros espectadores no podemos evitar seguir yendo a ver estas superproducciones de Hollywood, que nos meten en la cartelera a golpe de talonario.

Curioso el papel de un irreconocible Jim Carrey, en el papel de héroe patriota y cristiano, que caricaturiza la visión americana del salvador del ejército. Algo peor parado sale John Leguizamo, que olvida sus tiempos de “Moulin Rouge” para ser condenado a ser el mayordomo de un villano un tanto insoportable, y con acento mejicano, por si fuera poco.

Entretenida para quien quiera pasar un buen rato sin darle mucho a la cabeza, este film va cerrando la cartelera veraniega de blockbusters. A ver qué nos depara la cartelera otoñal.

Cine alemán de calidad en el biopic sobre “Hannah Arendt”

La película sobre los años en que “Hannah Arendt”, la filósofa judía alemana, se enfrenta al juicio contra el nazi Adolf Eichmann en Jerusalén, es una sorpresa agradable en la cartelera madrileña que, sospechamos, tiene los días contados. Nuestra reseña pretende animar a los lectores a buscar esta película allá donde la encuentren y familiarizarse con el trabajo de una de las pensadoras más importantes del siglo XX si es que todavía no la conocían.

La actriz Barbara Sukowa encarna a la filósofa Hannah Arendt

La actriz Barbara Sukowa encarna a la filósofa Hannah Arendt

La película nos demuestra cómo acontecimientos relevantes en la historia de la humanidad y el pensamiento político y filosófico que intenta explicarlos, pueden ser objeto de una revisión en pantalla llena de atractivo, interés y posterior reflexión para el espectador. El biopic que aquí recomendamos, es sobre todo una biografía del pensamiento de la filósofa, sin desdeñar los acontecimientos históricos y personales que lo influyen, pero centrándose sobre todo en las disquisiciones filosóficas de la protagonista, sus dilemas, dudas y certezas.  La película nos invita a pensar con los acontecimientos, nos vuelve cómplices del trabajo de reflexión de Arendt gracias a la encomiable labor de la actriz que la encarna, el guión y la dirección de este excelente trabajo, a cargo de Margarethe von Trotta, con merecido reconocimiento en los Premios del Cine Alemán.

Hannah Arendt utiliza en los momentos más diacrónicos el documental con imágenes inéditas del proceso al propio Eichmann mezcladas con la ficción del film. El espectador se enfrenta al burócrata Eichmann, a su simplicidad, su mediocridad exenta de todo atractivo. Este recurso es muy útil para que el espectador entienda mejor las ideas más relevantes de Arendt: la peligrosidad del sujeto normal que se niega a pensar por sí mismo, la mediocridad sumisa como medio de extensión del mal socialmente, la carencia de juicio crítico como vía para la ejecución de las mayores aberraciones legales. Contemplamos un Eichmann normal, mediocre, gris y aburrido, muy alejado del psicópata nazi sofisticado de Hollywood. Y no es ficción: son imágenes de archivo. A partir de ahí podemos comprender mejor la radicalidad e importancia de las tesis de la filósofa que se centran en la idea de la banalidad del mal. Un mal no demoníaco y aterrador. Un mal burocrático, rutinario, gris y afuncionariado. Un mal que sigue muy vigente.

La radicalidad de Arendt consiste en pensar sin trabas ni miedo. Algo casi vital para una superviviente como ella. Trata de comprender las bases del mal contemporáneo como vía para tratar de explicar las mayores locuras globales del siglo XX: los totalitarismos, las guerras, las masacres y genocidios. La respuesta es la mediocridad del individuo incapaz de pensar: unfähig zu denken, tal cual afirma la propia autora. Un individuo normativo, normalizado y normal que cumple con los requisitos de la ley dictada por perversa que esta sea. Hanna Arendt además denunció la colaboración de los líderes judíos con el nazismo a través de la entrega de censos y listados de población judía a las autoridades nazis. Este tabú, este colaboracionismo semita con el propio genocidio engrasa aún más la máquina de destrucción masiva nazi, haciendo de los líderes judíos personajes más cercanos a Eichmann de lo que se ha podido hasta hace poco denunciar. De nuevo, la reflexión de la exiliada judía Arendt se apoya en las confesiones de los citados líderes durante el proceso, tal cual nos ofrece el film mediante imágenes documentales.

Tras los avatares que supuso la publicación del libro Eichmann en Jerusalén, Arendt se ve abocada a la incomprensión, los malentendidos, la soledad y el aislamiento. La película refleja de un modo muy sintético y eficaz este periodo en la vida de la filósofa: nos hace pensar en cómo la banalidad del mal es bastante cotidiana y reaparece sin reflexión marginando las ideas más esclarecedoras y brillantes.

Sorteamos 3 mecheros Zippo de “Cruce de caminos”

Con motivo del  estreno del film “Cruce de caminos” el próximo 6 de septiembre, y gracias a la colaboración de Tripictures y Factoria Interactiva, queremos obsequiar a nuestros lectores con uno de los tres mecheros Zippo que os mostramos a continuación.

Mechero "Cruce de caminos"

Para ello, debéis ser fans de La Niebla – Blog de cine en facebook y mandar un email a concursos@nieblablogdecine.com con vuestro nombre y apellidos, respondiendo a la siguiente pregunta:

¿A quién te gustaría dar fuego con este mechero?

Las respuestas más originales serán las ganadoras y los premiados serán avisados mediante e-mail.

“Cruce de caminos” (The Place Beyond the Pines) es la historia de cuatro hombres y su lucha por superar su sangriento legado, que cuenta con el duelo interpretativo entre Ryan Gosling (Drive) y Bradley Cooper (El lado bueno de las cosas), cerrando el triángulo la bellísima Eva Mendes (Holy Motors). Un drama criminal épico que no dejará a nadie indiferente.

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El futuro visto desde “Elysium”

Si algo destaca en las películas de Neill Blomkamp es la creación de un futuro realista, donde la tecnología y las propuestas de nuestro planeta resultan creíbles, a pesar de que esté desafiando a todas las leyes de la naturaleza, como la existencia de alienígenas o la creación de una ciudad en una especie de satélite, haciendo que se vierta una dosis de política en una historia meramente de ficción.

Jodie Foster es la secretaría Delacourt en "Elysium"

Jodie Foster es la secretaría Delacourt en “Elysium”

Así como “Distrito 9” destacaba por su frescura y originalidad, y una estructura que mezclaba la parte documental con la narrativa, “Elysium” carga las tintas en la parte de acción y bajo un planteamiento muy original y bien llevado, que podría ahondar en una crítica más profunda hacia las desigualdades entre los habitantes del planeta, los privilegios de la clase alta, la superpoblación a la que la Tierra se dirige y la importancia de la sanidad como fuente de poder, al final nos tenemos que someter a un exceso de tiros y una historia de héroes que salvan a los más débiles, que eclipsa la parte científica y social de la que presumía la epopeya de los extraterrestres confinados al campo de concentración.

Son las ventajas y desventajas de contar con un mayor presupuesto, darle al público lo que quiere recibir, pero por otro lado, contar con actores de primera línea, como el lujo de contar con Jodie Foster, que hace creíble ese personaje de defensora a ultranza de los privilegios de la estación espacial, no tachándola de la típica malvada, sino transmitiendo una cierta empatía con las decisiones que toma. Cambia en cambio el rol del Sharlto Copley, que pasa de ser víctima a verdugo, en un intento de Blomkamp por no encasillarlo, ya que, si en “Distrito 9” era el adorable y excéntrico Mikus van der Merwe, aquí es el malvado Kruger, que resulta casi irreconocible tras esa poblada barba.

Visualmente muy bien conseguida, con una estética elegante para Elysium, y destructiva para Los Angeles, y una serie de elementos superfreaks, que harán las delicias de los fans del manga y los superrobots. Un canto a la sanidad de todos y para todos, en una actitud positiva para toda la humanidad en un futuro que se presenta incierto.