Los animales contra una heroína del hogar en “You’re Next”

Dos años de espera tras su presentación en el festival de Toronto han sido necesarios para que “Tú eres el siguiente” encuentre su hueco en las salas de todo el mundo, pero la espera ha merecido la pena. Su director, Adam Wingard, que ya había hecho algunos trabajos en el mundo del terror, más concretamente con un found-footage incluido en “V/H/S” (del que habrá una secuela), nos ofrece una caza del gato y el ratón, donde el espectador se sentirá víctima de unos seres enmascarados que no lo dejarán escapar tan fácilmente.

Sharni Vinson en "You're Next"

Sharni Vinson en “You’re Next”

“You’re the next” incorpora algunas novedades en el género de terror y asesinatos múltiples que le dan un punto de originalidad y diferencia: entre los seleccionados se encuentra un auténtico superviviente, una persona con el entrenamiento, la formación y la sagacidad para salir adelante en una situación tan cotidiana (según nos intenta convencer producto tras producto el cine estadounidense) como la de una matanza perpetrada aparentemente por psicópatas con máscaras de cordero. Y ese superviviente es una mujer, algo poco común en el género. La pericia y buen hacer de la actriz a cargo de semejante papel consigue dar verosimilitud a un personaje que no para de sorprendernos a lo largo del metraje. Su revelación como máquina de defensa personal y ajena, sin apenas uso de la fuerza, es un giro en una historia que hasta ese momento se adivinaba como otra enésima película más de miedo y asesinatos en cadena.  La actriz demuestra tener incontables registros interpretativos que llegan a su cima en el momento del diálogo con su amante reaparecido en combate de manera inexplicable. El laconismo y credibilidad de la protagonista llevan la película a un momento imprevisible en el que el espectador transita por sutiles derroteros entre el drama y la comedia, ya atisbada en otros momentos de la película. Nuestra protagonista de hecho provoca algún otro giro en la trama al situar a los asesinos en un plano de debilidad y fragilidad, como víctimas de una inesperada defensa femenina. Ese momento de dudas y ausencia de máscaras de cordero hace de nuevo este producto cultural salvable en su género.

Otro aspecto reseñable es la casi absoluta ausencia de armas de fuego. Algo (de nuevo a juzgar por lo que conocemos de la cultura y sociedad americanas) poco creíble y sólo achacable a las peculiares filias de los psicópatas de turno; sin embargo, es muy destacable que la desestructurada familia víctima del ataque no tenga ni una pistola que echarse a la boca o las manos y la protagonista tenga que lidiar con sus buenas labores de bricolaje, cocina y electricidad para defenderse. Insistimos: no importa lo poco creíble de este hecho a juzgar por las películas y noticias de EEUU. La elección artística por la ausencia de armas de fuego hace a esta película de nuevo diferente en su género.

Dentro de un género comercial, que a nadie engaña en su propuesta, esta película saca un poco los pies del tiesto y aporta alguna novedad. Merece la pena ver a esta Wonderwoman del hogar.

Un futuro perfecto en “La purga” pero que no consigue convencer

Hace poco leía que las mejores películas de terror se estrenan en verano, que es cuando el público está más receptivo a un tipo de cine basado en el puro entretenimiento. Comentábamos hace unos días lo conseguida que estaba la propuesta de Wang de casa encantada en el “Expediente Warren”, sin embargo hemos tenido la oportunidad de ver “La purga” de James DeMonaco, una historia sobre un futuro perfecto en un EE.UU. donde ha sido posible erradicar la violencia por completo, sólo con una pequeña pega, un día al año la violencia puede aflorar de manera que se desate esa agresividad que tiene contenida la población y sea utilizada para terminar con las personas más débiles de la sociedad (inmigrantes, sintecho, pobres…), ya que ese día todo vale, incluido el asesinato.

"La purga" de James DeMonaco

“La purga” de James DeMonaco

La idea es potente y muy en consonancia con algunas de las preguntas que se hace la sociedad actual, pero a la hora de desarrollar los acontecimientos se queda en una mera teoría, que pone el foco sobre una familia de clase alta, que a pesar de los sistemas de seguridad que poseen en la casa no se ven capaces de defenderse ante una serie de jóvenes maníacos que quieren ejercer su derecho a “La purga”. Ethan Hawke deja los mundillos indie-románticos de “Antes del anochecer” para proteger a su familia armado hasta los dientes.

Se pueden observar varias cosas presenciando el film, en primer lugar que el cine europeo de terror va un paso por delante del americano, obsesionado con explicar milimétricamente todo lo ocurrido sin dejar que el espectador tenga que elaborar su propia opinión, ya que vemos una fuerte influencia de “Funny Games”, la película de Haneke, pero si bien ésta nos dejaba la duda de por qué ocurría todo, en “La purga” parece que nos tienen que explicar por qué sucede cada acontecimiento y justificarlo a rajatabla. En el fondo, ambas se basan en el miedo a la pérdida de la seguridad y al hecho de que alguien pueda intentar hacernos daño en los momentos en que somos más vulnerables, como es el entorno familiar.

Por otro lado, vemos que los americanos siguen tirando balones fuera hacia los motivos del exceso de violencia en su entorno, ante casos de masacres tipo Columbine, evitando decir que el problema es que tienen las armas al alcance de cualquiera, y no que sea el hombre el que tenga una tendencia homicida por naturaleza. Y en lugar de condenar el uso de las armas, el film acaba convenciéndonos de que es imprescindible tener una colección de armas muy surtida por si algún día tratan de atacar nuestra intimidad y se pone en peligro nuestra seguridad. El protagonista en un instante del film abre un armario y exhibe una serie de rifles, escopetas y pistolas, y en la siguiente escena su mujer porta una pistola en cada mano, como si fuera Lara Croft, y tuviera dominado su manejo como si fuera tan fácil empuñar un arma.

Finalmente el film se convertirá en Wisteria Lane, y el argumento tornará al de “Mujeres desesperadas”, en el caso de que en la serie les hubieran permitido asesinar sin tapujos… creo que hubieran tenido que renovar a todas las protagonistas en la segunda temporada.

En definitiva, un argumento interesante, que plantea preguntas en el espectador, pero en vez de ahondar en sus dudas y mostrarnos el entorno callejero del día de “La purga”, nos traslada a un entorno descafeinado, donde el mayor terror es por parte de adolescentes rebeldes. Le falta un cierto toque filosófico en el cual, si logra llegar una segunda parte (que no nos extrañaría), se nos permita reflexionar más.

El hombre de las sombras, un terror más cercano de lo que parecía en principio

Se estrena estos días “El hombre de las sombras”, una rara traducción de su título inglés “The tall man”, la nueva película y que significa el salto al mundo hollywoodiense de su director, el canadiense Pascal Laugier, que viene apadrinado por la actriz Jessica Biel, que se posiciona también como productora de la cinta, que al igual que otras famosas como la modelo Kate Moss, quedó fascinada al ver su proyecto anterior, “Martyrs” (2008).

Jessica Biel en el "Hombre de las Sombras"

Jessica Biel en el “Hombre de las Sombras”

Teníamos muchas ganas de ver lo nuevo de Pascal Laugier, el director de la afamada “Martyrs” (2008), película de culto para los seguidores del cine de género. Los protagonistas del film son actores ya consagrados, Jessica Biel y Jodelle Ferland, ambas habituales del género fantástico y de terror, y es la primera vez que rueda en inglés, lo cual hace que la presión sea aún mayor.

Lo que comienza ser una historia de terror oscura y fría, ambientada en un pueblo de la América profunda donde la desaparición de niños se convierte en una práctica cada vez más habitual, se convierte en un drama en que una mujer se ve implicada en esa serie de secuestros, sin dejarnos muy clara su inocencia o culpabilidad hasta el final, como cómplice de ese hombre “alto” que aparece en la noche y se lleva a los pequeños.

Un comienzo muy original en el que se ven de manera metafórica la desaparición de los niños, como si de manera sobrenatural desaparecieran, y varias secuencias de acción entre la protagonista y el “Hombre alto” no son más que meras excusas para despistar al espectador, exagerando los momentos de terror, que en el fondo es lo que busca desesperadamente. A todo eso se suman los habitantes de un pueblo que parece haberse confabulado en contra de una malvada Jessica Biel, a la que no van a dejar respirar ni un momento. Únicamente el personaje de Jodelle Ferland, una niña incapaz de hablar, consigue encaminar la historia hacia su trazado original.

Todos estos desvíos de la información se alejan de un final sorprendente e irónico, que da que pensar sobre el destino de niños que podrían aspirar a un futuro mejor, pero que se ven limitados por sus circunstancias vitales, para dar rienda suelta a sus aptitudes personales. Pequeños, que no hace falta ir a buscar a países del tercer mundo, sino que la mayoría de las veces se encuentran en nuestro propio entorno. En Madrid un niño desaparece dos días de su hogar y al aparecer estaba en casa de un amigo jugando a la play, regresa de repente y aparentemente todo vuelve a la normalidad, pero ¿acaso no esconderá detrás un problema más serio que habría que cortar de raíz?

Que conste que las escenas de acción y de terror están muy bien conseguidas, pero en ocasiones carecen de sentido argumental, y parecen un esfuerzo por darle al espectador lo que pide, más que encajar las piezas de un puzzle, que en definitiva mostrará un paisaje interesante, diferente del que visualizábamos pieza a pieza. El mal y el terror no siempre se encuentra en monstruos y psicópatas, está más cerca, a nuestro alrededor y es real y tangible, pero el público manda y es lo que hay que darle.

Nuvamente la fórmula de Laugier se repite, mujer fuerte capaz de defenderse por sí misma, sin escrúpulos, que se mueve en un entorno de violencia explícita, donde se vuelve a preguntar adónde van los niños desaparecidos. Una experiencia interesante, pero que no causará el impacto de sus anteriores películas rodadas en francés.

El diablo está en el interior

El exorcismo es un tema que ha sido de múltiples maneras tratado en el cine por su atractivo a la hora de representar el mal y tratar los fenómenos paranormales. En “Devil Inside” (2012), el director de “Stay Alive” (2006), William Brent Bell, sustituye el terror en el mundo de los videojuegos por el terror a cargo de personas poseídas por seres diabólicos.

Devil Inside

Devil Inside

La película comienza con una interesante recreación de un escenario del crimen donde las víctimas son tres sacerdotes. Así se introduce el tema central de la película, que será el mundo de la religión.

Tanto nos impactaba esa promoción que decía que esta es la película que el Vaticano no quiere que veas, suponiendo que será porque muestra escenas de una escuela de exorcistas, lo cual nos lleva a pensar si realmente existen estas escuelas y si realmente son tan comunes los exorcismos y es el Vaticano el que se encarga de ocultarlo.

Hasta ahí todo bien, la película nos ofrece ideas genuinas más allá del formato found-footage y documental ya muy visto en propuestas como “The blair witch project” (1999) o “Rec” (2007), con originales propuestas como la posesión múltiple de un cuerpo. En esa línea el film va tomando forma, desdibujando la crítica a la iglesia, y volviendo a mostrar los habituales gestos propios de los exorcismos que ya mostraba Friedkin en 1973. Aunque su abrupto final, casi inesperado, hace que el film difiera de otras de géneros, quizá en el absurdo de su conclusión.

Interesante para amantes del género, pero no esperen encontrar nada nuevo con respecto a lo visto anteriormente.

4:44 El fin del mundo según Ferrara

Una de las apuestas más atrevidas del festival SyFy de este año es la presentación en nuestro país del último film del neoyorquino Abel Ferrara. Acostumbrados a sus propuestas cargadas de sexo, drogas y violencia, en este caso nos presenta una realidad mucho más poética del fin del mundo, contando con las soberbias interpretaciones de Willem Dafoe y Natasha Lyonne. Un público difícil en el festival, sediento de sangre, y poco dispuesto a la profundidad e intimismo que el film les ofrece, altamente contrastado con los otros fines del mundo recién visionados.

4.44 Last Day on Earth

4.44 Last Day on Earth

Muy comunes son las presentaciones hollywoodienses del fin del mundo donde los efectos especiales y las imágenes de destrucción y muerte son la base central del tema. Realmente el film no deja de ser una excusa para centrarse en la psicología de los personajes ante un acontecimiento que les supera y que les obliga a tomar sus últimas decisiones: cómo quieren pasar sus últimas horas, despedidas de familiares y viajes amigos, momentos de sexo, el planteamiento del suicidio cómo alternativa a la espera, así como la realización de rituales religiosos y no religiosos, que se presentan continuamente a lo largo de todo el metraje.

En paralelo al trabajo de Lars Von Trier, que presenta un planteamiento parecido del final de la humanidad en su “Melancolía” (2011), Ferrara sustituye el planeta que se estrella contra la Tierra por una desaparición de la capa de ozono, que queda apenas desdibujada y mostrada como una potente luz similar a una aurora boreal. El guión no entra mucho en detalle ni queda justificado cómo el hombre sabe el instante en que el mundo acabará, pero eso no importa, no es la finalidad el cómo sino el qué, y no es tan vital saber si habría alguna posibilidad de evitar el triste final del planeta.

Como el condenado a muerte esperaba en el patíbulo sus últimos instantes. El conocimiento del instante de la muerte hace un repaso de todos los miedos del hombre, su sentimiento de culpa, su búsqueda en la religión de una última respuesta al inevitable destino que les espera y la necesidad de escuchar unas últimas palabras que les produzcan alivio.

Otra interesante propuesta postapocalíptica que hará reflexionar al espectador sobre lo que haría en caso de ponerse en el pellejo de los personajes que, como si se tratara de la noche de fin de año, deciden cómo quieren pasar sus últimos instantes, aferrándose por regla general a sus seres más queridos.

The woman, una mujer salvaje en un mundo de hombres

Sin duda, uno de los platos fuertes del festival era el regreso a las pantallas director Lucky McKee el que dirigiera May (2002), aquel clásico del género en que una joven se siente sola y decide hacerse un amigo especial. Pues en efecto no decepciona con su nueva obra basada en la tétrica novela de Jack Ketchum.

The woman

The woman

Lo que comienza siendo una excusa para mostrar la adaptación a la vida civilizada de una mujer criada en libertad, termina por ser un grito contra el maltrato de la mujer en una sociedad machista, donde el hombre prevalece sobre el sexo débil, que el caso de nuestra protagonista se puede decir de todo, menos que sea débil.

Cargada de violencia, pero violencia con significado, aunque es cierto que como ya hiciera en May, McKee se regodea enseñando sangre y vísceras, lo cual gustará a los seguidores del género, pero redimirá ese deseo de venganza que durante toda la película se va fraguando en la mente del espectador.Un film muy interesante, bien dirigido y reflejo de una idea ante todo muy original, que analiza el salvajismo del ser humano que puede ser incluso peor en el hombre que consideramos “civilizado”.

Gonzalo López-Gallego presenta Apollo 18 en la IX Muestra SyFy 2012

Sin duda, una de las sorpresas de la muestra es esta producción estadounidense de ciencia ficción producida por los hermanos Weinstein y dirigida por el español Gonzalo López-Gallego, conocido por otros films como “El rey de la montaña” (2007) o “Nómadas” (2001).

Apollo 18

Apollo 18

La película simula el montaje de las cintas grabadas por la Nasa durante la expedición del Apollo 18 a la Luna, que muestran lo que realmente ocurrió con los tripulantes de la nave y que tras años de estar escondidas, por fin ven la luz pública. Una gran producción de ciencia ficción que retoma los viajes espaciales de los años 70 y enlaza con algunas teorías de los físicos actuales.

La primera parte está realmente bien hecha, a veces dudas de si realmente es ficticio o si son las cintas reales. El guión es interesante, dando una vuelta de tuerca a la existencia de vida en el pequeño satélite de la Tierra, y en caso de existir, por qué no hemos sido capaces de ver a esos seres desde la Tierra, quizá por el hecho de que se encuentren camuflados y habiten en los cráteres. Se pone de manifiesto nuevamente la competencia entre la URSS y EE.UU. durante la carrera espacial. Quizá la historia se tambalea en la parte sobrenatural planteada, ese intento por emular “Alien” (1979) que hace perder ligeramente el clímax tan bien conseguido durante toda la película.

A continuación presentamos los enlaces a parte de la filmación del Q&A (preguntas y respuestas) con el director, que se realizó una vez finalizada la proyección. El director estuvo muy amable respondiendo a las no siempre tan agradecidas preguntas de los fans, habló sobre el trabajo con los hermanos Weinstein, la reproducción de la Luna para el rodaje, las consultas con expertos de la Nasa sobre la realización de la película, la inmensa distribución en salas americanas que contrasta con las salas españolas donde no se estrenará (ni siquiera con el aliciente de haber recibido aportación de nuestro país) o las técnicas empleadas para la grabación en distintos formatos y la degradación artificial de los negativos para dar el efecto de película antigua. Se ve que López-Gallego ha visto muchos documentales de la NASA para ambientar la trama.

Gonzálo López-Gallego, director de Apollo 18

Gonzálo López-Gallego, director de Apollo 18

Q&A con Gonzalo López Gallego (Parte 1/2)

Q&A con Gonzalo López Gallego (Parte 2/2)

Gracias a Gonzalo por asistir a la muestra y compartir su experiencia, siempre es un placer ver a los artistas presentando su trabajo ante el público, y más cuando pueden sentirse orgullosos de ello.

La atrocidad de Atrocious

Siempre es interesante ver películas de bajo presupuesto, aunque cuando este presupuesto ya no es que sea bajo sino que tiende a cero, y lo que ves es una película de alguien que ha cogido una cámara y se ha puesto a grabar tal cual, se siente uno un poco defraudado. Ni los actores eran excesivamente buenos, ni de hecho encajaban con los papeles (ni la madre, ni el padre, ni los jovenzuelos hermanos protagonistas).

Atrocious

Atrocious

El caso es que este film parece haber conseguido presupuesto tanto en España como en México (sorprende que en Imbd la califique como una película mejicana) y que esté basada en un caso real, del que se muestran las imágenes grabadas por los Mossos d’Esquadra en Sitges. Podía haberse sacado mucho más partido a la temática, utilizando el material para intrigar al espectador con la duda de si en realidad ocurrió o no lo acontecido en el film.

Por lo demás, no deja de ser una película amateur refrito de las fórmulas ya trilladísimas en “The blair witch project” (1999), “Paranormal Activity” (2007) o “Rec” (2007) sin presentar ninguna novedad, y con cámara en primera persona que enseña constantemente un bosque que no da miedo, pero marea. Nada nuevo que ofrecer y poco creíble. Sin duda nos la han colado en el festival, pero no podemos negar que nos hemos reído un rato.

Hobo with a shotgun, el mendigo del cortacésped

Después de que “Grindhouse” (2007) volviera a poner de moda la serie B de mano de sus creadores Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, y tras el éxito de “Machete” (2010), otro proyecto salido de este trabajo conjunto volviera a poner el punto de mira en este género, una nueva propuesta salida de un falso trailer de la saga aparece en escena.

Hobo with a Shotgun

Hobo with a Shotgun

“Hobo with a shotgun” (2011) surge de la idea de crear un héroe lo más absurdo posible, un vagabundo, por ejemplo, que se enfrenta a unos villanos supermalísimos, dispuestos a hacer la vida imposible a todo un pueblo. Familias de mafiosos, policias corruptos, periodistas de telebasura y pedófilos vestidos de Santa Claus serán los malvados a los que tendrá que enfrententarse nuestro antihéroe, interpretado por el replicante de Blade Runner, el mítico Rutger Hauer, únicamente acompañado por una prostituta que podría haber salido del barrio de las putas de  Sin City.

Con mucho humor y escenas de violencia extrema con sangre a raudales y vísceras, recuerda los inicios del género gore. Las referencias parecen las mismas que plantearan Rodríguez y Tarantino, o quizá es “Grindhouse” la referencia principal en realidad. Retorcer el rizo encontrando al héroe que más se pueda salir de lo común, y qué mejor que un mendigo que sueña con tener un cortacésped, al menos no podemos decir que la idea no sea original.

Una cuidada recreación de la estética de los 80, acompañada de un humor en ocasiones absurdo y violento, que hará las delicias de los fans del género.

Stake Land, el fin del mundo a la americana

La segunda propuesta del día es Stake Land (2010), dirigida por Jim Mickle y protagonizada por Nick Damici (Mister), siendo ambos los guionistas de la misma. Otra road-movie posapocalíptica como la anterior alemana, pero mucho más a la americana, con tiros y violencia, que da el contraste entre la ideología europea y la del otro lado del charco. Además, en este caso no es la naturaleza la que se rebela contra el hombre, sino una serie de vampiros mutantes cuyo origen se desconoce, que se dedican a comerse a los mortales que quedan pululando por la tierra.

Stake Land

Stake Land

Tras la seriedad de la película alemana, sorprende ver esos guiños humorísticos, que ridiculiza un poco la temática del fin del mundo, con escenas sacadas de la mismísima “Karate Kid” (1984), entrenando al pequeño saltamontes (un poco sobrantes, la verdad, porque rompen el clímax). Aunque esas armas caseras para matar vampiros tienen su punto divertido.

De “The road” (Leticia Dolera aseguró que nos iba a recordar a ella), solo tiene la relación paterno-filial entre los protagonistas, por lo demás parece más una referencia “Bienvenidos a Zombieland” (2009), con una Nick Damici que emula en todo momento a Woody Harrelson. Otra parte que saca del clímax del film es esa especie de vampiro malvado que ha logrado desarrollar inteligencia debido a sus creencias religiosas. Pero qué estamos viendo, ¿Blade (1998)?

Por otro lado, me encanta que los malvados sean los “fanáticos religiosos que lanzan vampiros desde el cielo” (sin duda, la mejor frase del film) y que el mundo no se presente completamente deshabitado, ¡ya está bien que siempre veamos a los últimos habitantes de la Tierra! ¿o es que en las otras pelis el presupuesto no les llega para pagar figurantes?

En definitiva, una peli divertida, pero a la americana, con tiros por todas partes, que hará las delicias de los buscadores de sangre a raudales.