Misterios filológicos escritos a “Pie de página”

La película israelí “Pie de página”, ganadora en Cannes del premio al mejor guión, llega desgraciadamente con dos años de retraso a nuestras pantallas. Por lo tanto, todo lo que escribimos a continuación tiene una validez escasa en el contexto internacional del cine. Esta situación parece no cambiar e irse agravadando cada vez más, lo que ha hecho de nuestra cartelera un pálido reflejo de la de otros países. Dicho esto, pasamos a comentar la película.

Schlomo Bar-aba realizando estudios filológicos

Shlomo Bar-aba realizando estudios filológicos

La labor de estudio de la lengua, de su pasado histórico y de sus tradiciones literarias y antropológicas, no ha tenido mucho interés para el cine. En ese sentido, la película que aquí analizamos, tiene un valor añadido al acercar al gran público la desconocida labor filológica. Realmente, la crítica de cine tiene sus bases sólidas en la filología, junto con otras tareas presentes en el mundo actual. Llevar a cabo una película atractiva sobre un mundo casi secreto, hermético y poco difundido como es el de la investigación filológica universitaria, con unos protagonistas presas de un comportamiento muchas veces antipático, es un reto que consigue esta propuesta israelí. El padre e hijo que llevan las riendas de esta historia se dedican a la compleja investigación talmúdica, es decir, a los libros, notas y glosas que a lo largo de la historia han analizado la Tora judía, nuestro Antiguo Testamento, con la minuciosidad científica de miles de años de historia, llenando de notas al pie cada versículo de la Biblia, de ahí las múltiples referencias que contiene el título de esta película. La labor estudiosa de los dos protagonistas es completamente distinta: el padre sigue las riendas de un trabajo textual, ecdótico, paleográfico, que se circunscribe al estudio de las pruebas objetivas. El hijo sigue más los trabajos interpretativos del texto. El padre se encuentra inmerso en el ostracismo académico y personal a causa de diversos motivos que se abordan en la película. El hijo tiene un ascenso y reconocimiento en alza. El propio Talmud es, en el fondo, un corpus filológico en el que ambas tendencias filológicas están presentes. El Talmud es el origen de parte de la filología y también, de la crítica por lo tanto. La película, desde una perspectiva contemporánea y distendida, aborda un tema capital para el judaísmo y a su vez para la tradición occidental. Asimismo, también nos presenta las complejas relaciones políticas en el mundo académico, aún más difíciles si además se cruzan los celos entre padres e hijos.

A nivel cinematográfico tampoco defrauda. Destaca en este trabajo el laconismo de un elenco actoral magnífico en el que no solo brillan con luz propia el dúo protagonista, sino también otros secundarios de lujo. Muchas veces, la ausencia de palabras en el metraje se llena con miradas que todo lo explican. Los actores aguantan con soltura unos durísimos y prolongados primeros planos en los que cada mínimo rincón facial aporta un detalle.

El propio lenguaje cinematográfico se mezcla con los recursos de la investigación filológica: tienen gran importancia los montajes de escenas que se sobreponen como diapositivas en un lector de microfilm diseñado para la observación de manuscritos. Estos montajes sirven como síntesis y pie de página para acontecimientos pasados u ocultos en el códice de la historia y que sólo una paciente mirada filológica puede desentrañar.

En ese sentido, la propia trama pega un vuelco final y se ve inmersa de pleno en las pesquisas del estudio de documentos. De repente, el presente se vuelve casi un palimpsesto que puede poseer varias capas ocultas que sólo podrán ser adivinadas por un experto filólogo. Sin ser una película de misterio ni intriga, la resolución final es todo un homenaje a la filología como disciplina valiosa y necesaria.

El guión, tal cual se constató en Cannes, merece una especial mención. Los diálogos se reducen a la palabra justa, sin excesos. El lenguaje de los personajes posee también cientos de referencias tradicionales judías gracias al uso de la parábola, la metáfora expresiva y los episodios oníricos. De hecho, la compleja escena final resume en sí misma todos los logros artísticos de esta obra: el sueño que contamina la realidad, la casi ausencia de palabras, la narración mediante imágenes y el final sorprendentemente abierto.

La película demuestra que cualquier aspecto humano es merecedor de un espacio en el cine. No hay mundos poco cinematográficos, sino cines que no saben o quieren reflejarlos.

Una obra muy destacable esta película: docente, didáctica y filológica.

Cine alemán de calidad en el biopic sobre “Hannah Arendt”

La película sobre los años en que “Hannah Arendt”, la filósofa judía alemana, se enfrenta al juicio contra el nazi Adolf Eichmann en Jerusalén, es una sorpresa agradable en la cartelera madrileña que, sospechamos, tiene los días contados. Nuestra reseña pretende animar a los lectores a buscar esta película allá donde la encuentren y familiarizarse con el trabajo de una de las pensadoras más importantes del siglo XX si es que todavía no la conocían.

La actriz Barbara Sukowa encarna a la filósofa Hannah Arendt

La actriz Barbara Sukowa encarna a la filósofa Hannah Arendt

La película nos demuestra cómo acontecimientos relevantes en la historia de la humanidad y el pensamiento político y filosófico que intenta explicarlos, pueden ser objeto de una revisión en pantalla llena de atractivo, interés y posterior reflexión para el espectador. El biopic que aquí recomendamos, es sobre todo una biografía del pensamiento de la filósofa, sin desdeñar los acontecimientos históricos y personales que lo influyen, pero centrándose sobre todo en las disquisiciones filosóficas de la protagonista, sus dilemas, dudas y certezas.  La película nos invita a pensar con los acontecimientos, nos vuelve cómplices del trabajo de reflexión de Arendt gracias a la encomiable labor de la actriz que la encarna, el guión y la dirección de este excelente trabajo, a cargo de Margarethe von Trotta, con merecido reconocimiento en los Premios del Cine Alemán.

Hannah Arendt utiliza en los momentos más diacrónicos el documental con imágenes inéditas del proceso al propio Eichmann mezcladas con la ficción del film. El espectador se enfrenta al burócrata Eichmann, a su simplicidad, su mediocridad exenta de todo atractivo. Este recurso es muy útil para que el espectador entienda mejor las ideas más relevantes de Arendt: la peligrosidad del sujeto normal que se niega a pensar por sí mismo, la mediocridad sumisa como medio de extensión del mal socialmente, la carencia de juicio crítico como vía para la ejecución de las mayores aberraciones legales. Contemplamos un Eichmann normal, mediocre, gris y aburrido, muy alejado del psicópata nazi sofisticado de Hollywood. Y no es ficción: son imágenes de archivo. A partir de ahí podemos comprender mejor la radicalidad e importancia de las tesis de la filósofa que se centran en la idea de la banalidad del mal. Un mal no demoníaco y aterrador. Un mal burocrático, rutinario, gris y afuncionariado. Un mal que sigue muy vigente.

La radicalidad de Arendt consiste en pensar sin trabas ni miedo. Algo casi vital para una superviviente como ella. Trata de comprender las bases del mal contemporáneo como vía para tratar de explicar las mayores locuras globales del siglo XX: los totalitarismos, las guerras, las masacres y genocidios. La respuesta es la mediocridad del individuo incapaz de pensar: unfähig zu denken, tal cual afirma la propia autora. Un individuo normativo, normalizado y normal que cumple con los requisitos de la ley dictada por perversa que esta sea. Hanna Arendt además denunció la colaboración de los líderes judíos con el nazismo a través de la entrega de censos y listados de población judía a las autoridades nazis. Este tabú, este colaboracionismo semita con el propio genocidio engrasa aún más la máquina de destrucción masiva nazi, haciendo de los líderes judíos personajes más cercanos a Eichmann de lo que se ha podido hasta hace poco denunciar. De nuevo, la reflexión de la exiliada judía Arendt se apoya en las confesiones de los citados líderes durante el proceso, tal cual nos ofrece el film mediante imágenes documentales.

Tras los avatares que supuso la publicación del libro Eichmann en Jerusalén, Arendt se ve abocada a la incomprensión, los malentendidos, la soledad y el aislamiento. La película refleja de un modo muy sintético y eficaz este periodo en la vida de la filósofa: nos hace pensar en cómo la banalidad del mal es bastante cotidiana y reaparece sin reflexión marginando las ideas más esclarecedoras y brillantes.

Top 10: Las mejores películas del 2012

Hoy es el último día del año y con nostalgia queríamos echar un vistazo hacia atrás para recordar cómo ha sido el panorama cinematográfico. Hemos visto de todo, muchas referencias al fin del año y a la crisis, aunque también han conseguido sacarnos alguna sonrisa, que nos haga olvidar nuestros problemas cotidiano. Con lo cual, os dejamos con nuestro Top 10 resumen de las mejores películas del 2012.

A veces es complejo decidir la fecha de una película por la diferencia de estreno por países, pero en general son películas que hemos podido disfrutar a lo largo de los últimos doce meses.

1. Holy Motors de Leos Carax. El puesto de honor se lo damos a Leos Carrax por su experiencia metacinematográfica, su ilusión épica y su mundo que difícilmente separa la realidad de la ficción, en un mundo donde realmente todo tiende a la actuación.

2. Cosmópolis de David Cronenberg. Por presentar una imagen casi profética del texto de Don DeLillo, y por crearnos múltiples referencias, como la poesía de Zbigniew Herbert, la música de Howard Shore o la fascinación por la actuación de secundarios como Juliette Binoche, Samantha Morton o Paul Giamatti.

3. 4:44 de Abel Ferrara. La resurrección de Abel Ferrara, en un film donde nos cuenta el fin del mundo sin miramientos ni aderezos, que nos hace reflexionar sobre nuestra misma existencia, siguiendo propuestas como “Melancholía” de Lars Von Trier. Sobresaliente la actuación de Willem Dafoe.

4. Shame de Steve McQueen. Por mostrar con valentía la represión sexual, social y psicológica que envuelve a la sociedad americana, y por extensión a la del resto del mundo, en un personaje interpretado por un excelente Fassbender, con el que difícilmente se puede huir de sentirse representado. Nos quedamos con la escena de la peculiar versión de “New York, New York”.

5. Amour de Michael Haneke. Por ser capaz de reflejar con una estructura más cercana al estilo clásico un drama que te agarra el corazón y no te lo suelta hasta tiempo después de abandonar la sala de cine, y aun así sacar un rayo de esperanza sacado de sus protagonistas.

6. Argo de Ben Affleck. Porque a pesar de ser un actor pasado a director y en ocasiones con tintes hollywoodienses, consigue ofrecer un guión interesante y a la vez divertido, de una irónica e increíble historia sacada de los desclasificados de la CIA.

7. The Master de Paul Thomas Anderson. Porque nos gustan los personajes perturbados y con tendencia a la agresividad que nos presenta en ocasiones Paul Thomas Anderson, los planos poco convencionales y el guión nada lineal que se nos ofrece, con imágenes que se quedan en la retina como la canción de Philip Seymour Hoffman rodeado de mujeres desnudas.

8. Moonrise Kingdom de Wes Anderson. Por la originalidad de sus planos inverosímiles y el transformar un mundo de novela juvenil en tema de adultos, además de por su excelente elenco,que hacen de este film una propuesta original y diferente, algo más que una simple aventura.

9. Skyfall de Sam Mendes. No pensábamos ya que una película de James Bond pudiera llamar nuestra atención hasta tal punto, pero la psicología introducida en los personajes de la mano de Sam Mendes no nos deja indiferente, especialmente cuando Javier Bardem interpreta a un villano con cierta ambigüedad sexual.

10. Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres de David Fincher. Abrió el año 2012 con la nueva adaptación del best-seller de Stieg Larsson, introduciéndonos en el oscuro mundo al que Fincher nos tiene acostumbrados, sacando partido al personaje de Rooney Mara y convirtiendo una novela policíaca en una denuncia del pasado histórico de un país como Suecia, del que poco se ha hablado.

Lo mejor de 2012

Se anuncian las nominaciones a los Globos de Oro 2013

Ayer día 13 de diciembre se daban a conocer las nominaciones de la 70 Edición de los Globos de Oro que se celebrarán el próximo 13 de enero. Los encargados de presentar el evento fueron los actores Jessica Alba, Ed Holmes y . Entre los más nominados destacan la cinta de Spielberg sobre la vida del presidente “Lincoln”, con 7 nominaciones, seguidas de “Argo” y “Django Desencadenado” con cinco nominaciones cada una. Por último, otras destacadas con las nominaciones principales serían “La noche más oscura”, “La vida de Pi” o “El lado bueno de las cosas”. Sin duda, un año cargado de cine histórico y político, de rabiosa actualidad.

Nominados a Mejor Pelicula en la 70º Edición de Globos de Oro

A continuación mostramos la lista completa de la categoría de cine.

Mejor Película – Drama:
Argo
Django Desencadenado
La Vida de Pi
Lincoln
La Noche Más Oscura

Mejor Actriz – Drama:
Jessica Chastain por La Noche Más Oscura
Marion Cotillard por De óxido y hueso
Helen Mirren por Hitchcock
Naomi Watts por Lo Imposible
Rachel Weisz por The Deep Blue Sea

Mejor Actor – Drama:
Daniel Day-Lewis por Lincoln
Richard Gere por El Fraude
John Hawkes por Las Sesiones
Joaquin Phoenix por The Master
Denzel Washington por Flight

Mejor película – Comedia o Musical:
El Exótico Hotel Marigold
Los miserables
Moonrise Kingdom
La pesca del salmón en Yemen
El lado bueno de las cosas

Mejor Actriz – Comedia o Musical:
Emily Blunt por La pesca del salmón en Yemen
Judi Dench por El Exótico Hotel Marigold
Jennifer Lawrence por El lado bueno de las cosas
Maggie Smith por El cuarteto
Meryl Streep por Si de verdad quieres…

Mejor Actor – Comedia o Musical:
Jack Black por Bernie
Bradley Cooper por El lado bueno de las cosas
Hugh Jackman por Los miserables
Ewan McGregor por La pesca del salmón en Yemen
Bill Murray por Hyde Park on Hudson

Mejor Película de Animación:
Brave (Indomable)
Frankenweenie
Hotel Transilvania
El origen de los guardianes
¡Rompe Ralph!

Mejor Película de Habla No Inglesa:
Amour de Michael Haneke (Austria)
Un Asunto Real de Nicolaj Arcel (Dinamarca)
Intocable de Olivier Nakache y Eric Toledano (Francia)
Kon-Tiki de Joachim Rønning y Espen Sandberg (Noruega/Reino Unido/Dinamarca)
De óxido y hueso de Jacques Audiard (Francia)

Mejor Actriz de Reparto:
Amy Adams por The Master
Sally Field por Lincoln
Anne Hathaway por Los miserables
Helen Hunt por Las sesiones
Nicole Kidman por El chico del periódico

Mejor Actor de Reparto:
Alan Arkin por Argo
Leonardo DiCaprio por Django Desencadenado
Philip Seymour Hoffman por The Master
Tommy Lee Jones por Lincoln
Christoph Waltz por Django Desencadenado

Mejor Director:
Ben Affleck por Argo
Quentin Tarantino por Django Desencadenado
Ang Lee por La Vida de Pi
Steven Spielberg por Lincoln
Kathryn Bigelow por La Noche Más Oscura

Mejor Guión:
Argo de Chris Terrio
Django Desencadenado de Quentin Tarantino
El lado bueno de las cosas de David O. Russell
Lincoln de Tony Kushner
La Noche Más Oscura de Mark Boal

Mejor Banda Sonora Original:
Anna Karenina de Dario Marianelli
Argo de Alexandre Desplat
El atlas de las nubes de Reinhold HeilJohnny KlimekTom Tykwer
La vida de Pi de Mychael Danna
Lincoln de John Williams

Mejor Canción:
-“For You” de Monty PowellKeith Urban por Acto de valor
-“Safe and Sound” de Taylor SwiftJohn Paul WhiteJoy WilliamsT-Bone Burnett por Los juegos del hambre
-“Not Running Anymore” de Jon Bon Jovi por  Stand Up Guys
-“Skyfall” de AdelePaul Epworth por Skyfall
-“Suddenly” de Claude-Michel SchönbergAlain BoublilHerbert Kretzmer por Los miserables

Futurama gana el Emmy 2011 a mejor programa animado

Tras una larga interrupción de varios años, la serie Futurama de Matt Groening regresó a las pantallas de televisión con toda la frescura y humor de siempre. Parece ser que la espera mereció la pena, ya que el capítulo “The Late Philip J. Fry” de su sexta temporada ha sido proclamado como el mejor episodio de una serie de animación este año 2011, y es que entre sus competidores se encontraban los Simpson del mismo Matt Groening, South Park, el Show de Cleveland (serie paralela a Padre de Familia) y Robot Chicken: Star Wars Episodio III. Es un placer para los fans de la serie que aún siga consevando su calidad, y que esta sea reconocida.