Top 10: Las mejores películas del 2012

Hoy es el último día del año y con nostalgia queríamos echar un vistazo hacia atrás para recordar cómo ha sido el panorama cinematográfico. Hemos visto de todo, muchas referencias al fin del año y a la crisis, aunque también han conseguido sacarnos alguna sonrisa, que nos haga olvidar nuestros problemas cotidiano. Con lo cual, os dejamos con nuestro Top 10 resumen de las mejores películas del 2012.

A veces es complejo decidir la fecha de una película por la diferencia de estreno por países, pero en general son películas que hemos podido disfrutar a lo largo de los últimos doce meses.

1. Holy Motors de Leos Carax. El puesto de honor se lo damos a Leos Carrax por su experiencia metacinematográfica, su ilusión épica y su mundo que difícilmente separa la realidad de la ficción, en un mundo donde realmente todo tiende a la actuación.

2. Cosmópolis de David Cronenberg. Por presentar una imagen casi profética del texto de Don DeLillo, y por crearnos múltiples referencias, como la poesía de Zbigniew Herbert, la música de Howard Shore o la fascinación por la actuación de secundarios como Juliette Binoche, Samantha Morton o Paul Giamatti.

3. 4:44 de Abel Ferrara. La resurrección de Abel Ferrara, en un film donde nos cuenta el fin del mundo sin miramientos ni aderezos, que nos hace reflexionar sobre nuestra misma existencia, siguiendo propuestas como “Melancholía” de Lars Von Trier. Sobresaliente la actuación de Willem Dafoe.

4. Shame de Steve McQueen. Por mostrar con valentía la represión sexual, social y psicológica que envuelve a la sociedad americana, y por extensión a la del resto del mundo, en un personaje interpretado por un excelente Fassbender, con el que difícilmente se puede huir de sentirse representado. Nos quedamos con la escena de la peculiar versión de “New York, New York”.

5. Amour de Michael Haneke. Por ser capaz de reflejar con una estructura más cercana al estilo clásico un drama que te agarra el corazón y no te lo suelta hasta tiempo después de abandonar la sala de cine, y aun así sacar un rayo de esperanza sacado de sus protagonistas.

6. Argo de Ben Affleck. Porque a pesar de ser un actor pasado a director y en ocasiones con tintes hollywoodienses, consigue ofrecer un guión interesante y a la vez divertido, de una irónica e increíble historia sacada de los desclasificados de la CIA.

7. The Master de Paul Thomas Anderson. Porque nos gustan los personajes perturbados y con tendencia a la agresividad que nos presenta en ocasiones Paul Thomas Anderson, los planos poco convencionales y el guión nada lineal que se nos ofrece, con imágenes que se quedan en la retina como la canción de Philip Seymour Hoffman rodeado de mujeres desnudas.

8. Moonrise Kingdom de Wes Anderson. Por la originalidad de sus planos inverosímiles y el transformar un mundo de novela juvenil en tema de adultos, además de por su excelente elenco,que hacen de este film una propuesta original y diferente, algo más que una simple aventura.

9. Skyfall de Sam Mendes. No pensábamos ya que una película de James Bond pudiera llamar nuestra atención hasta tal punto, pero la psicología introducida en los personajes de la mano de Sam Mendes no nos deja indiferente, especialmente cuando Javier Bardem interpreta a un villano con cierta ambigüedad sexual.

10. Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres de David Fincher. Abrió el año 2012 con la nueva adaptación del best-seller de Stieg Larsson, introduciéndonos en el oscuro mundo al que Fincher nos tiene acostumbrados, sacando partido al personaje de Rooney Mara y convirtiendo una novela policíaca en una denuncia del pasado histórico de un país como Suecia, del que poco se ha hablado.

Lo mejor de 2012

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“El Hobbit: Un viaje inesperado”, fantasía épica en 48fps

Vuelve la saga del Señor de los Anillos de Peter Jackson, en este caso para contar la novela que precede a la primera trilogía titulada “El Hobbit”, basada en las peripecias del hobbit Bilbo Bolsón, en búsqueda del tesoro de los enanos custodiado por el dragón Smaug, que se enlaza de manera muy importante a la saga, en la escena anecdótica en un principio pero fundamental, en que Bilbo arrebata el anillo de poder a Gollum, sin duda el instante más interesante del film.

El Hobbit: Un viaje inesperado

El Hobbit: Un viaje inesperado

fffNos llama especialmente la atención de este film, el hecho de que sea la primera película en 3D estereoscópico, emitida en salas a 48 frames por segundo (el formato HFR lo han llamado), es decir que aumenta la resolución temporal de vídeo, y podemos contemplar más fotogramas por segundo, y la imagen es más fluida, y los movimientos rápidos se pueden percibir sin ningún tipo de parpadeo. Si se dice que el ojo humano no percibiría saltos entre imágenes a unos 55 fotogramas por segundo, se puede considerar que en el caso de los 48fps, estamos bastante próximos a la perfección.

El debate surge por dos vertientes. En primer lugar, la percepción del 3D es mucho mejor, ya que en películas de similar duración, la fatiga visual tras dos o tres horas es mucho mayor, es decir, el ojo se cansa menos al mejorar la calidad temporal de la imagen, especialmente al contemplar continuas escenas de acción. Por otro lado, ocurre que el efecto hace que la imagen sea distinta a la que estamos acostumbrados en cine, y que se aproxime más a lo que estamos acostumbrados a ver por televisión, que posee una iluminación distinta y unas condiciones de grabación distinta al formato cine. No seremos tan necios de decir que no nos gusta cómo se ve, porque a lo mejor el problema es simplemente que no estamos acostumbrados. En su día no sería lógico que los espectadores se hubieran anclado en el cine pasado ante la aparición del cine en color o el cine sonoro, simplemente porque no estuvieran acostumbrados, así que tendremos que ser pacientes y tolerantes, y dejar paso a las nuevas tecnologías, simplemente por el hecho de que se nos haga raro, y nos parezca una imagen más próxima a la de una serie de televisión que a la de una película.

Prueben a verla en los distintos formatos y comparen, a ver qué opinión personal les ofrece. Aunque cierto es, que el formato HFR está limitado a una reducida colección de salas de las ciudades más grandes nada más. Aun así, les invitamos a que hagan la prueba.

En cuanto al contenido del film, sin duda Peter Jackson ya conoce la fórmula del éxito, y ha repetido los cánones establecidos en la trilogía anterior. La historia es menos compleja y trascendental, pero es divertida y tiene un ritmo que la hace amena. No faltan los secundarios  de lujo, ya habituales: Cate Blanchett, Ian MacKellen, Elijah Wood o Christopher Lee. Ya comentábamos que la escena más apasionante es el encuentro con Gollum con el arrebato del anillo por parte de Bilbo, sin duda el personaje de mayor complejidad que esconde un oscuro pasado y un drama personal con desdoblamiento de personalidad que le da un carácter de seriedad al film, y por ello nos preguntamos… si esa escena ya está en la primera parte de esta trilogía, ¿qué nos espera por ver en la segunda y tercera parte? ¿No parece que es excesivo exprimir a la gallina de los huevos de oro en una trilogía cuando haciendo debidos cortes se podía haber reducido a un solo largometraje?

“Holy Motors” la fantasía metacinematográfica de Leos Carax

Por fin hemos tenido la oportunidad de ver “Holy Motors”, la triunfadora de este año en el festival de Sitges y una de las que se posicionan como favorita nuestra a mejor película del año. Un proyecto único salido de la mente del director francés Leos Carax, que ya nos sorprendiera con sus anteriores trabajos “Los amantes del Pont Neuf” (1991) o “Tokyo!” (2008).

Kylie Minogue y Denis Lavant en "Holy Motors"

Kylie Minogue y Denis Lavant en “Holy Motors”

Sin duda una película muy completa, que es difícilmente clasificable porque aúna todos los géneros cinematográficos en la figura de un actor que viaja en su limusina por las calles de París realizando trabajos uno detrás de otro, creando una ilusión muy diferente a todo.

Es increíble la versatilidad de su protagonista, Denis Lavant, que es capaz de interpretar papeles que van desde una vieja mendiga, un actor de motion capture, o su más laureado el Sr. Merde, ese monstruo que cual jorobado de Notre-Dame secuestra a la bella Eva Mendes, para llevarla a las profundidas de la tierra donde será pervertida. Hasta hay guiños al género de animación, al musical propiamente dicho, e incluso al del humor absurdo, no falta ninguno- Y con ello, se hará pensar al espectador en la prostitución del oficio del actor y su futuro en un mundo en constante cambio donde ya necesariamente las cámaras pueden estar en cualquier lugar. Igual que el periodismo se ha convertido en un oficio global donde cualquier instante es propicio de recoger la noticia y cualquier ciudadano puede recogerla con la cámara de su móvil, la actuación puede ser requerida en cualquier momento, haciendo que la línea entre la vida profesional y la privada se haga cada vez más difusa y trascienda a otro nivel.

 Comienza el film sin que el espectador tenga claro el significado de lo que está ocurriendo, y que poco a poco irá comprendiendo, con incertidumbre y repleto de dudas. Una sala de cine en la que entra como en un sueño o quizá una pesadilla el propio director Leos Carax, el cual sale de su dormitorio y se enfrenta a la pantalla donde se reproducen imágenes inconexas. Una especie de metáfora que resume simbólicamente lo que va a ocurrir en las dos horas restantes, ofreciendo al espectador esa experiencia que vive el cine dentro del cine.

Del drama a la comedia, a la aventura, a la escena de acción o al terror, una detrás de otra se suceden con maestría las diferentes escenas saltando de un género a otro. Espectaculares los cameos de actrices como Eva Mendes o Kylie Minogue (a la que ya hacía un guiño con una canción en mitad de la película), que invaden la escena con su belleza,  la primera en una escena de heroína raptada por el monstruo, que culmina en escena erótica, y la segunda haciendo lo que es lo suyo, que es cantar, en una dulce escena donde reta al protagonista en su propio trabajo.

Locura tras locura, que llega a su punto álgido en las escenas finales, que se preguntan donde esta la línea entre la vida privada y la profesional, y dónde se separa la realidad de la ficción, convenciendo al espectador de que lo que han visto es una compleja odisea sin fin, que podría continuar hasta donde llegue la imaginación. Un viaje singular, que comprendemos que conquistara al público del festival de Sitges de este año.

Se anuncian las nominaciones a los Globos de Oro 2013

Ayer día 13 de diciembre se daban a conocer las nominaciones de la 70 Edición de los Globos de Oro que se celebrarán el próximo 13 de enero. Los encargados de presentar el evento fueron los actores Jessica Alba, Ed Holmes y . Entre los más nominados destacan la cinta de Spielberg sobre la vida del presidente “Lincoln”, con 7 nominaciones, seguidas de “Argo” y “Django Desencadenado” con cinco nominaciones cada una. Por último, otras destacadas con las nominaciones principales serían “La noche más oscura”, “La vida de Pi” o “El lado bueno de las cosas”. Sin duda, un año cargado de cine histórico y político, de rabiosa actualidad.

Nominados a Mejor Pelicula en la 70º Edición de Globos de Oro

A continuación mostramos la lista completa de la categoría de cine.

Mejor Película – Drama:
Argo
Django Desencadenado
La Vida de Pi
Lincoln
La Noche Más Oscura

Mejor Actriz – Drama:
Jessica Chastain por La Noche Más Oscura
Marion Cotillard por De óxido y hueso
Helen Mirren por Hitchcock
Naomi Watts por Lo Imposible
Rachel Weisz por The Deep Blue Sea

Mejor Actor – Drama:
Daniel Day-Lewis por Lincoln
Richard Gere por El Fraude
John Hawkes por Las Sesiones
Joaquin Phoenix por The Master
Denzel Washington por Flight

Mejor película – Comedia o Musical:
El Exótico Hotel Marigold
Los miserables
Moonrise Kingdom
La pesca del salmón en Yemen
El lado bueno de las cosas

Mejor Actriz – Comedia o Musical:
Emily Blunt por La pesca del salmón en Yemen
Judi Dench por El Exótico Hotel Marigold
Jennifer Lawrence por El lado bueno de las cosas
Maggie Smith por El cuarteto
Meryl Streep por Si de verdad quieres…

Mejor Actor – Comedia o Musical:
Jack Black por Bernie
Bradley Cooper por El lado bueno de las cosas
Hugh Jackman por Los miserables
Ewan McGregor por La pesca del salmón en Yemen
Bill Murray por Hyde Park on Hudson

Mejor Película de Animación:
Brave (Indomable)
Frankenweenie
Hotel Transilvania
El origen de los guardianes
¡Rompe Ralph!

Mejor Película de Habla No Inglesa:
Amour de Michael Haneke (Austria)
Un Asunto Real de Nicolaj Arcel (Dinamarca)
Intocable de Olivier Nakache y Eric Toledano (Francia)
Kon-Tiki de Joachim Rønning y Espen Sandberg (Noruega/Reino Unido/Dinamarca)
De óxido y hueso de Jacques Audiard (Francia)

Mejor Actriz de Reparto:
Amy Adams por The Master
Sally Field por Lincoln
Anne Hathaway por Los miserables
Helen Hunt por Las sesiones
Nicole Kidman por El chico del periódico

Mejor Actor de Reparto:
Alan Arkin por Argo
Leonardo DiCaprio por Django Desencadenado
Philip Seymour Hoffman por The Master
Tommy Lee Jones por Lincoln
Christoph Waltz por Django Desencadenado

Mejor Director:
Ben Affleck por Argo
Quentin Tarantino por Django Desencadenado
Ang Lee por La Vida de Pi
Steven Spielberg por Lincoln
Kathryn Bigelow por La Noche Más Oscura

Mejor Guión:
Argo de Chris Terrio
Django Desencadenado de Quentin Tarantino
El lado bueno de las cosas de David O. Russell
Lincoln de Tony Kushner
La Noche Más Oscura de Mark Boal

Mejor Banda Sonora Original:
Anna Karenina de Dario Marianelli
Argo de Alexandre Desplat
El atlas de las nubes de Reinhold HeilJohnny KlimekTom Tykwer
La vida de Pi de Mychael Danna
Lincoln de John Williams

Mejor Canción:
-“For You” de Monty PowellKeith Urban por Acto de valor
-“Safe and Sound” de Taylor SwiftJohn Paul WhiteJoy WilliamsT-Bone Burnett por Los juegos del hambre
-“Not Running Anymore” de Jon Bon Jovi por  Stand Up Guys
-“Skyfall” de AdelePaul Epworth por Skyfall
-“Suddenly” de Claude-Michel SchönbergAlain BoublilHerbert Kretzmer por Los miserables

Dolor y esperanza en “Amour”, lo último de Haneke

Emmanuelle Riva es Anne en "Amour"

Emmanuelle Riva es Anne en “Amour”

La última película del director austriaco ha optado por una factura más clásica con el fin de sumergir al espectador de una manera más eficaz en el mundo que nos presenta. Esa factura facilita la inmersión en la cotidianidad de una pareja de acomodados jubilados parisinos, de tal manera que el espectador siente como suya esa realidad de zapatillas de estar por casa, desayunos en la cocina, CDs de música clásica y vueltas de un concierto de piano en autobús. Precisamente ese es el único exterior que veremos en toda la historia. Ese exterior, esa última noche en un teatro será el único respiro de aire fresco que tendremos en todo el metraje, la última noche de felicidad plena y tranquila de estos jubilados de pasado artístico y docente exitoso. El último momento en que van a vivir el disfrute de la música en directo, la integración relajada en un acto social en todas sus facultades. Esa misma noche, el insomnio de colores azules inquietantes muy en el estilo de “Caché (Hidden)” (2012) nos va adentrar en otra realidad, en otra pesadilla que se avecina como un presagio. El terror que se inicia, es paulatino, real e imparable como resulta la película. La enfermedad degenerativa que se ha iniciado en la mujer, va a ser el destino último, lento e inexorable de ambos. El terror de Hanecke no precisa buscar de otras entelequias, está aquí, es real y acecha latente en cualquier lugar. Quizá eso sea lo más inquietante de su cine: el acecho oculto, el terror en proceso.

En este caso, es un terror que puede estar comenzando en cualquiera de nosotros, de ahí que el espectador pase de sentirse observador a posible afectado. Uno se siente observando esta película como la protagonista en su última noche lúcida en el concierto. El proceso degenerativo está estudiado, escrito e interpretado con rigor austriaco. E incide en algo aún más inquietante: en su onda expansiva hacia los otros afectados, los familiares que se encargan de llevar cada día semejante drama. La soledad que padece este pareja de jubilados, hasta el punto de perder el sentido del tiempo, es una realidad que expone la película de modo crudo y conciso. Las tragedias nos dejan solos. La frase que el padre le dice a la hija para explicarle por qué no responde al teléfono es una de las más acertadas y definitorias de la actualidad: “Tu inquietud, tu pesar es otra carga más que ya no me merezco llevar”.

Los sutiles momentos de humor, la escena de bronca laboral con la enfermera, son escasas pausas que llevan a la decisión final a favor de la eutanasia. Sin necesidad de subrayar este contenido ideológico, ni de hacer una declaración de intenciones, Haneke presenta el hecho de un modo lacónico y dramático. Las dos escenas finales de la película son de una ambigüedad compleja. La marcha de la casa del marido, ya solo desde hace un tiempo indefinido y degenerado como la propia enfermedad, se abre a múltiples interpretaciones. Y la soledad de Isabelle Huppert, en la casa paterna, con una carga que ella ahora ya sí nunca podrá evitar llevar.

Sin embargo, en todo este entorno dramático, surge un rayo de optimismo y esperanza que es el que lleva a dar título al film. El amor extremo y gratuito que es capaz de llevar a una persona a cargar el peso del sufrimiento de la persona amada, hasta el punto de hacerlo suyo y diluirlo en la medida de la posible, que puede hacer que la soledad de un ser humano no se haga patente en tanto tenga el apoyo de la gente que le rodea, y que la convierta, en definitiva, en una persona afortunada.